Escuché a los Beatles y me fui a buscar la soledad”, cantaba Charly García en 1982 en modo autobiográfico. Las huellas de los cuatro de Liverpool son transversales en el rock argentino. Pueden rastrearse desde pioneros como Los Gatos y Almendra hasta la actualidad. Lo analiza Manuela Reyes, cantante, docente y gestora cultural que investiga en el Sistema Universitario Nacional de Argentina la Performance Vocal Integrada en contexto musical multicultural dentro de la Universidad de Villa María.

–¿Cuál es el hito más importante que los Beatles marcaron en la música popular?

–Ellos marcaron un hito en todo aspecto. Por ejemplo, con los Beatles llega el merchandising, algo que antes no existía. Pero en el plano artístico, es muy importante la inversión en la lógica de la reproductibilidad técnica de la obra de arte. Como señaló Simon Frith en su libro Performing Rites, inicialmente la música ocurría en vivo y el disco era un registro: la grabación de lo que pasaba en el vivo. A partir de los Beatles (y su trabajo con George Martin, particularmente en Abbey Road) empieza a pasar al revés: la obra de arte es el disco. Las presentaciones en vivo pasan a ser formas de difusión o de revisitar aquel objeto artístico que es el disco. Como docente tengo que decir que los Beatles ya están dentro del canon de la música popular definitivamente, se enseñan en todas las universidades. Y Lennon en particular inicia con Yoko Ono una cuestión performática que combina lo artístico con distintas militancias.

–¿Qué análisis hacés desde lo vocal?

–Hay una influencia muy importante en la forma de cantar para las voces masculinas. Nuestra tradición latina, si vos pensás en el sonido del tango y del folklore, es con una voz más desplegada en su timbre, con un sonido más de lo que sería la performance acústica. Es una vocal más llena, un trazo grueso de sonido para las voces masculinas. Y con los Beatles se inicia este disfrute de las voces “chiquititas” haciendo arreglos vocales.

–Pasando a la Argentina, ¿cómo impactó acá esa forma de usar la voz masculina?

–Es indudable la influencia en Sui Generis, por ejemplo. La forma que ellos tuvieron de realizar performativamente las voces de sus piezas. Esto, por lo menos en esta parte de Sudamérica, implica una innovación. Este sonido vocal en el rock, con las voces masculinas livianas y con esos falsetes. Todo esto que a esta altura incluso ya está estandarizado; me pasa que estudiantes con un instrumento vocal muy rico cantan “chiquitito” sin darse cuenta. Esto sucede porque uno aprende la canción y la forma de cantar a través de la transmisión oral mediatizada. Lo que ellos hicieron, y también la elaboración armónica de las voces que difundieron masivamente, ha tenido una gran influencia en nuestro rock y sus derivados. Además, el timbre es la “Cenicienta” de las miradas sobre la música. Se suele hablar de armonía, melodía o estructura rítmica, pero poco de cómo suenan las cosas, especialmente el sonido vocal. El sonido vocal es mucho más un software que un hardware. Es decir, el timbre deriva más de la forma en que se hace el movimiento que de las cosas objetivas del cuerpo. Por eso, no es que alguien hiciera una carrera en el rock porque tenía una voz parecida a la de Lennon, es que se enamoró de eso y aprendió a cantar así. La voz es muy plástica y puede variar mucho.

–Mencionaste la relación de Lennon con la militancia…

–Creo que él fue el primero en darle a su discurso, aparte de las canciones y sus letras, un perfil mediático. Inicia toda esta cuestión de la performance con Yoko Ono, de fotografiarse o hacer ciertas cosas para complementar lo que comunica en su obra artística. Esto inevitablemente me hace pensar en Charly. En esa forma, justamente multiforme, de comunicar lo que quiere, no solo con la canción, sino con un gesto de estar en un lugar, un día, diciendo o haciendo esto o aquello. Tanto la figura de Lennon después de su muerte, como la de Luca Prodan, tienen esa impronta de lo que ya no va a poder ser, lo que le da un color particular al consumo de esa música. Y en el caso de Lennon, hay que destacar cómo se construyó una forma de ser y estar en el mundo con tanto compromiso, siempre encontrando la manera de escaparse de los encasillamientos o de la cooptación. El gesto de Charly de grabar su voz “tal cual” en su último disco es un eco, no hay nada más rockero que eso.

–Hoy en día, en la Argentina, hay una gran cantidad de bandas que imitan a los Beatles, algunas incluso premiadas internacionalmente. ¿Qué dice esto de nuestra relación con el legado?

–Esto es un fenómeno más social que artístico. Hay que distinguir el tributo de la réplica. En el caso Beatle, como pasa con Elvis Presley, hay gente que se dedica a construir una réplica idéntica. Esto entra en la idea desarrollada por Umberto Eco sobre la pasión norteamericana por la copia, por la réplica exacta. Eco lo plantea como algo propio de la idiosincrasia del capitalismo norteamericano. Ir a ver estos conciertos es una fantasía. Si bien ofrecen un viaje en el tiempo, el sonido es de una calidad 2020, no 1968. Esto es porque el sonido es una construcción en la percepción de quien escucha, y nuestra mente no es la misma que la de alguien de esa época. Está construida con todo lo que hemos escuchado previamente. Si uno lo examina con una racionalidad un poco radical, estas réplicas son totalmente fantasiosas. Es como ir a ver Jurassic Park. Estas prácticas culturales son interesantes de estudiar porque se inscriben en el mismo tipo de búsquedas imposibles que tienen, por ejemplo, los que hacen música antigua en Basilea, buscando tocar o cantar con la afinación y el tono exactamente como en la época de Tomás Luis de Victoria. Una empresa totalmente imposible. Ni Bach ni Tomás Luis de Victoria escucharon nunca un motor de combustión interna; para ellos el sonido era otra cosa.